Tutorial de Pintura Digital: Cowgirl Pinup Estilo Cartoon

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Neste tutorial criado pelo artista canadense Jim Zubkavich, vamos acompanhar o desenvolvimento de uma arte em estilo cartoon (desenho animado), com o tema pinup. Todos os passos serão vistos, desde a criação do esboço, ainda em papel, passando pelo traçado (line art), até a colorização e finalização no Photoshop.

O autor mostra ainda como configurar os pincéis para conseguir o melhor resultado. Além do desenho e pintura, ele ainda usa uma textura aplicada ao fundo para obter um efeito de aquarela e mostra como suavizar o traçado e o encontro entre as áreas de iluminação e de cor.

O resultado é excelente e muito conhecimento será agregado no processo.

Para conhecer os trabalhos do artista, visite seu perfil no deviantART.

Passo 1: Preparação do Line Art

Despois de procurar na internet por algumas ilustrações e fotos para servir de referência, decidi esboçar uma cowgirl em frente a uma velha bomba de combustível. Este primeiro esboço é pequeno, com cerca de 4' x 6', feito bem de leve sobre um fundo branco, usando um pincel com caneta azul.

Primeiro esboço ainda em papel

Depois, o esboço é redimensionado ao tamanho tradicional de 8.5' x 11', e impresso em papel cartão Bristol para quadrinhos, cortado no tamanho certo.

Segundo esboço

Usando meu esboço impresso suavemente como base, redesenho a peça e refino a perspectiva e a construção, enquanto tento manter a atmosfera do esboço intacta. Com um pouco de descuido a peça pode passar rapidamente de um ótimo rascunho para um desenho duro e esquisito, então tome cuidado e dedique o tempo que for preciso.

Algumas vezes esse segundo esboço é limpo e bem ajustadao para ser trabalhado como base. Se estiver fazendo uma ilustração totalmente digital, sem ter o line art isolado, eu poderia pintar direto sobre as linhas. Como já que sei o que quero, o line art pode ser menos suave para simular um desenho animado; decidi então repetir o processo e tornar as linhas mais sólidas.

Então reescaneei o desenho, clareei mais e reimprimi no mesmo tipo de papel para obter um terceiro modelo, ainda mais sólido.

Último traçado, pronto

Já que sei onde quero cada elemento na peça final, posso desenhar as linhas com confiança e focar nos detalhes como as costuras no coldres ou as dobras da calça. O line art final é escaneado em RGB 400 dpi ou maior.

Usei o comando Selecionar > Intervalo de Cores > Tons de cinza, para remover toda essa cor. Então usei Imagem > Ajustes > Níveis, para escurecer as linhas enquanto mantemos o branco do papel. Siga então com um pincel duro, cor branca, e pinte sobre qualquer marca ou resíduo sobre o papel. Uma amolação, mas que dará ao trabalho um aspecto bem mais profissional do que se seguíssemos sem esta etapa.

Paleta canais

Depois de dar um duplo clique sobre a camada de fundo (Background) para torná-la editável, siga a paleta de Canais e, enquanto segura Ctrl, clique sobre a miniatura do canal Cinza, selecionando toda a parte branca da camada. Pressione Del eliminando a área branca e ficando só com o traçado. Clique no botão "Bloquear pixels transparentes", uma pequena caixa quadriculada no alto da janela de camadas. Assim, só as linhas ficarão editáveis.

Line art isolado

Agora que temos o arquivo preparado, vamos para a colorização.

Passo 2: Fundo

Há muitas formas de se pintar digitalmente. Dependendo do projeto e estilo requerido pode-se usar um método diferente. O mostrado aqui é apenas um, que reúne diversas técnicas que aprendi. O que não significa que sejam os melhores absolutos, ou o jeito "certo" de se fazer a coisa.

Quando estou criando uma peça que envolve personagem e cenário, usualmente pinto primeiro o fundo, já que ele geralmente conduz toda a iluminação. Resolvendo as luzes e cores de fundo, temos uma grande ajuda na escolha da paleta para o personagem.

Outra razão é que geralmente o personagem é a parte divertida da peça. Se você começar por ele, terá depois que lidar com a chatice de criar o fundo, e é fácil tender a um certo desleixo nesse caso. É como comer a sobremesa antes do prato principal; vai arruinar seu apetite. Então, eu termino o fundo primeiro, e a empolgação de terminar o personagem me mantém motivado.

Eu uso uma tablet Wacom com a sensibilidade da caneta ligada, para ter o máximo de controle sobre os pincéis. Quero que o fundo pareça pintado com aquarela, então não quero cores planas ou pinceladas muito mecânicas.

Nos ajustes de pincel do Photoshop, eu carreguei os pincéis "Pincéis Naturais 2.abr"; entre eles, está um chamado "Watercolor 1".

Pincéis watercolor Photoshop

Então, mudei duas importantes configurações do pincel:

Ajustes do pincel

Em Opções do Pincel, clique em "Forma da ponta do pincel" e deslize a barra "Espaçamento" para um valor menor. Isto dá uma aparência mais suave e natural a pincelada.

Clique em "Outras dinâmicas" e ajuste o controle de "Tremulação da opacidade" para "Pressão da caneta".

Agora temos um pincel de aquarela personalizado para usar em nossa pintura de base. Salve o pincel se quiser usá-lo no futuro sem ter que repetir esses ajustes. Tente outras configurações da ferramenta pincel para conseguir uma variedade maior de pincéis.

Primeira etapa de pintura do fundo

Acima você vê a primeira etapa de pintura, com cores de base em bloco nas áreas maiores. Eu costumo trabalhar do fundo para a frente, ou seja, começo pintando os elementos mais distantes, e vou sobrepondo pintura nos que estão mais adiante. Neste caso, pinto basicamente o céu, depois vou para as montanhas e enfim para o solo.

Depois, um tratamento na bomba de combustível e na garota, como se eles não estivessem ali, pintando o que estaria através deles.

Primeiros detalhes na bomba de combustível e cadeira

A seguir, eu melhoro a aparência da bomba, cadeira e balde, agora como se apenas a garota não estivesse ali. Criei uma camada acima do céu e solo, onde posso facilmente mudar estes elementos ou ajustar suas cores independentemente das partes envolvidas.

Posição das camadas

Acima você vê minhas camadas neste ponto. O traçado "line art" está no topo das demais camadas; após terminar cada elemento, eu salvo o arquivo (formato PSD) para me assegurar de não perder nenhum progresso.

Primeiras sombras

No topo destas camadas de cor na base, eu crio outra camada, em modo de mesclagem "multiplicação" e começo ali a pintar áreas de sombra, primeiro mais solto, apenas criando blocos em áreas de mais escuridão. Como meu céu ficou num tom amarelado-avermelhado, uso uma paleta azul-púrpura para as sombras, sendo elas opostas daquelas cores.

Áreas iluminadas

Para evitar que tudo no lado esquerdo fique encoberto por sombras, coloquei algumas luzes secundárias arroxeadas no balde e na bomba. Também adicionei alguns pontos brilhantes no lado direito como luz primária.

Neste ponto está tudo certo, mas não está parecendo com uma aquarela; é onde a coisa vai começar a mudar 🙂

Procurando pela internet por "old paper texture", encontrei uma textura em JPEG de papel. Poderia também ter escaneado uma folha. Após ajustar um pouco o Brilho/Contraste (no menu Imagem > Ajustes > Brilho/Contraste), temos isto:

Textura

Colando esta textura no topo das camadas de meu trabalho, no modo Multiplicação, sigo ao menu Imagem > Ajustes > Equilíbrio de cores para torná-la mais avermelhada - assim ela fica mais ajustada na peça carregada de laranja com marrom. Isto foi o que obtive:

Após aplicação da textura

A textura dá a pintura a aparência de aquarela, destacando também os pontos avermelhados.

Mais pintura, acima e abaixo da camada de textura

Neste ponto, começo a pintar acima e abaixo da camada da textura, adicionando mais definição e detalhes, ajustando as cores e o sentido de profundidae no fundo, trazendo à tona pequenos detalhes.

Alguns pontos de destaque:

  • Com a opção "Bloquear pixels transparentes" ativa na camada do traçado, posso pintar o traçado com cores suaves, dando mais mesclagem entre ela e a pintura. Um bom exemplo disto está nas montanhas, onde a luz ajuda muito a dar a sensação de profundidade. Cores tendem a ser mais suaves e menos saturadas quando o objeto está mais longe da visão. Isto é chamado de "perspectiva atmosférica".
  • Quase todas minhas luzes mais opacas são feitas acima da camada da textura, para que não sejam suavizadas ou alteradas pela textura. Exemplos disso incluem as partes metálicas do balde e brilhos metálicos no bocal da bomba.

Passo 3: Colorização do Personagem

Como na pintura do fundo, há diferentes técnicas para pintar o personagem. Quero que ele seja relativamente simples nas cores, para se destacar com um estilo mais de cartoon sobre o fundo mais tradicional. Sabendo disto antes da execução da peça, é mais fácil planejar e executar o trabalho. Claro que é possível ir planejando enquanto produz a arte, mas isto vai requerer experimentos no processo.

Um dos jeitos mais fáceis de começar é criando áreas de cor plana, isolando os principais componentes do personagem. Manter essas camadas separadas dará a você um meio rápído de selecionar estas áreas e fazer mudanças sem ter que mudar muita coisa junto. Leva algum tempo para fazer, mas o benefício vale o tempo investido.

Suavização de serrilhado desativada

Com a ferramenta Laço Poligonal, no modo Suavização de Serrilhado desligado, comece a separar cuidadosamente cada parte do personagem em partes.

Veja abaixo uma ampliação de parte destas camadas com áreas separadas do personagem e já coloridos. Sem a suavização do serrilhado, fica mais fácil de usar a Varinha Mágica e selecionar essas partes se for preciso. Uma boa prática.

Ampliação da área de cor

Eu uso o Balde de Tinta para preencher áreas de cor plana, testando diferentes combinações de cores até conseguir o que quero. Já que as áreas estão separadas por camadas, fica tudo bem flexível. Posso também conferir se meu personagem está se relacionando bem com o fundo e se as sombras que criei atrás dela estão realistas.

As cores planas agem como uma cor de base para cada seção do personagem. Algumas vezes começo com uma cor muito clara e vou adicionando mais sombras do que luzes. Neste caso, decidi começar com cores escuras, gerando áreas mais luminosas ao redor de seu corpo.

Após aplicação de áreas de cor e luz

Numa camada acima das cores planas, usei o laço poligonal (ou o laço) para pegar algumas áreas e preenchê-las com tons mais claros. Grande parte dos artistas digitais chamam este estilo de de colorização de "cuts". É crucial que você pense bem sobre as áreas que devem receber luz no corpo, baseando-se na situação de luz criada a partir do fundo.

Para esta peça, a maior parte da luz vem do lado direito, então eu sigo essa linha para iluminar a garota. Sombras projetadas como aquela sob sua bocheca e em seu ombro, lançada pelo chapéu, ajudam a tornar o trabalho mais sólido.

Mais uma etapa, com adição de detalhes, como os olhos

Bit a bit mais elementos e detalhes foram adicionados. Quando começar os olhos, o personagem ganha personalidade de fato.

Para tornar a aparência geral mais suave, copie a camada dos tons mais claros, mude sua mesclagem para o modo Divisão, então siga ao menu Filtro > Desfoque > Desfoque Gaussiano, usando um valor baixo, de modo que o brilho gerado sobreponnha levemente as cores ao redor. Se ficar muito forte, baixe a opacidade da camada.

Veja como ficou em ampliação de 200%:

antes da suavização de áreas de luz
Após suavização

Para as partes de metal na arma e cinto, usei apenas três cores: dois tons de cinza um pouco mais escuros, e um quase branco. Quanto maior o contraste entre os tons, mais metálico o objeto parecerá ser. Veja abaixo.

Pintura do cinto

Objetos reflexivos recebem uma grande quantidade de luz pois tendem a refletir luz e cor nos objetos próximos. Neste caso, o avermelhado na bomba de combustível reflete um pouco no chapéu da garota. O efeito é mais forte onde os objetos quase se tocam.

Detalhe da bomba de combustível e seu reflexo

Com a transparência bloqueada na camada do traçado eu posso colorizá-la para tornar os tons mais suaves em relação ao resto da ilustração. Abaixo você vê linhas suavizadas em seus lábios, sombrancelhas, pálpebras, chapéu e partes do cabelo.

Detalhes da colorização no traçado

Daqui em diante, apenas detalhes, adicionando luzes ou sombras e usando as cores planas para selecionar áreas mais importantes e ajustar suas cores ou saturação. Quando estiver satisfeito com a aparência geral, adicione uma assinatura e salve no formato PSD, caso queira editar mais tarde.

Por fim, achatei as camadas e salvei como um arquivo para impressão no formato TIFF. Veja meu resultado final.

Pintura digital estilo cartoon finalizado

Tutorial original (em inglês) por Kim Zubkavich

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